Top 10 des albums magnifiquement imparfaits

Un album est généralement considéré comme le beau bébé d'un artiste; Mais parfois, cela peut aussi être leur beau beau-fils. La déformation, après tout, fait partie de la nature, et le contraste aide à accentuer les cas d'une beauté sans vergogne. Voici 10 artistes qui se sont alignés pour que de la laideur fasse vraiment briller leurs albums:

dix. Siouxsie et les Banshees 'Tinderbox (1986)

Bien que cet album soit peut-être Siouxsie et l'album le plus accrocheur et le plus raffiné des Banshees, il contient également certains des travaux atmosphériques les plus expérimentaux dans le répertoire du groupe. C'est vraiment au crédit du guitariste nouvellement recruté John Valentine Carruthers. C'est vraiment la guitare que, lorsqu'il ne retire pas les crochets propulsifs polis, fait saigner cet album et Twitch. La chanson «An Execution» présente des ajustements de guitare hurlant et gémissant et toutes sortes d'autres interruptions sonores disjointes qui font que la piste sonne comme si elle était coupée et réassemblée au hasard.

Siouxsie a déclaré dans une interview de 1986 avec NME: «Il est très bien couvert; Tout est cousu. C'est ce que nous visions."

Et c'est certainement ce qu'ils ont réalisé: un patchwork de taches de sang et de carrés de coton blanchis.

9. Amnésiaque de Radiohead (2001)

Il est facile de voir où Radiohead pourrait être identifié comme «rocher abstrait», car leur son qui change de forme défie sûrement toute structure en béton ou logique. Bien qu'ils soient capables de mélodies hyper-prépares conventionnelles (i.e. Dans les arcs-en-ciel et l'ordinateur OK), ils peuvent tomber de l'extrémité profonde lorsqu'ils veulent explorer les possibilités mêmes du son. Amnésiaque est le meilleur exemple de sons et de bruits inconnus (moins que ce que l'on pourrait considérer comme «musique»). Replequé de clics, de bips et de mines de formes de bruit blanc, l'album est souvent juste un collage sonore, collectant une variété de bruits obscurs.

Prenez les chansons «Push / Pull Revolving Door» et «Like Spinning Plates»: les anciens crachets, sautent et incorporent des voix à peine audibles à l'endroit où la chanson sonne comme des lésions cérébrales, tandis que le second contient des sons de tourbillon dans le sens antihoraire et des voix inversées Cela ressemble à la chanson qui est en fait jouée à l'envers (ce qui n'inhibe en rien le falsetto passionné de Thom Yorke).

Le guitariste Ed O 'Brien a déclaré, dans une interview avec le Chicago Tribune, que leur son sur le disque est le produit d'une nouvelle approche pour créer un disque (qui a également appliqué à l'album Kid A qu'il a enregistré à peu près à peu près au même moment) :

«Nous avons dû faire des prises avec le démarrage d'une chanson à partir de zéro dans le studio et en faire quelque chose, plutôt que de le jouer en direct, de le répéter et de faire une bonne prise d'une performance en direct. Aucun de nous n'a joué autant de guitare sur ces disques. Soudain, on nous a présenté l'opportunité et la liberté d'approcher la musique comme le fait une attaque massive: en tant que collectif, travaillant sur des sons, plutôt qu'avec chaque personne du groupe jouant un rôle prescrit. C'était un travail assez difficile pour nous de nous adapter au fait que certains d'entre nous ne jouent pas nécessairement notre instrument habituel sur une piste, ou même jouent du tout instrument. Une fois que vous avez surmonté vos insécurités, alors c'est génial."

Pour ceux qui aiment Radiohead pour leur simplicité, celui-ci prend un peu de temps pour s'y habituer (et une appréciation pour tout ce qui vient du champ gauche).

8. Spoon's Ga Ga Ga Ga GA (2007)

(Commence à 1h55)

Les albums de la cuillère ont tendance à être très amicaux. Leur dernier album, le transfert de 2010, a été assemblé à partir d'une concoction d'enregistrements et de démos à 8 pistes qui semblaient plus organiques que leurs séances de studio (qu'ils ont finalement mis au rebut). Partout Ga Ga Ga Ga Ga, vous pouvez entendre de petites imperfections à rester (voix off, un bruit de fond, etc.), mais la chanson "Ghost of You persiste" la marque 1:55), qui ajoute une troisième dimension de type Wraith aux thèmes d'un «fantôme persistant."

Dans une interview avec un.V. Le club, le chef d'orchestre, Britt Daniel, a déclaré à propos de son inclusion déterminée de tics et de bords effilochés sur l'album, "Je pense juste que c'est plus excitant. Lorsque les gens avaient l'habitude de couper des disques en direct, il y avait des erreurs tout le temps qui restaient. Ça faisait partie du charme. Vous manquez quelque chose si tout est tout de suite falsifié et clinique. Donc, quand nous entendons une erreur qui semble intéressante, nous tenons à le garder."

7. Ha Ha Sound de Broadcast (2003)

La technologie est entièrement moderne mais réglée sur «Vintage», les groupes de filles des années 60 de la Phil Spector. Écoutez «Winter Now» et écoutez des sections de cordes déformées comme un classique 45 joué pour la millième fois.

Dans une interview avec Gimmebadvibes.La chanteuse Com Trish Keenan a déclaré sur ses tendances expérimentales: «L'avant-garde n'est pas bon sans les ordures populaires et populaires sans un peu d'avant-garde. Deux d'entre eux sont de la dynamite ensemble et nous essayons toujours de viser une combinaison des deux. Je ne sais pas à quel point les gens d'avant-garde purs le font, ce doit être une tâche ingrat, repoussant les limites vers le vraiment étrange et extrême, mais la dichotomie est que ce sont généralement des musiciens incroyables."

What makes Broadcast's music especially eery is the fact that Keenan died last year, which just imbues, upon revisiting, their sound with more ghostly overtones, to where you wonder if lurking beneath all those layers of reverb is Keenan herself, contained as some form of énergie intangible.

6. Death Cab pour les escaliers étroits de Cutie (2008)

(Très fin de la chanson.)

La chanson «Pity and Fear» illustre l'esprit de l'album, qui est celui de la spontanéité et de «Lively."La chanson se poursuit avec un élan qui augmente jusqu'à la fin, sans conclusion soigneusement conçue. Le résultat ressemble à une bande coupée littéralement avec des ciseaux trop tôt; Avant cela, le volume augmente quelques décibels sans raison apparente. Si vous deviez télécharger cet album (plutôt que d'acheter une copie numérique ou vinyle légale), vous pourriez penser que c'était un mauvais travail de piratage.

Le producteur et guitariste Christopher Walla a dit à propos de l'album dans une interview avec The Vine, "Le plan directeur des escaliers étroits devait être aussi invisible et sans main qu'un producteur que possible. J'étais vraiment intéressé à voir ce qui se passerait. Quand nous avons commencé ce record, nous étions en tournée depuis une meilleure partie de deux ans. Tout ce dont nous nous souvenons, c'était d'être sur scène et de jouer. Donc, l'idée était: que se passe-t-il si nous sommes juste sur scène et que nous jouons, sauf que nous sommes dans le studio et que nous enregistrons?"

Ce qui se passe est un son beaucoup plus organique - quelque chose qui aurait pu être plastique et sans faille devient plutôt quelque chose de plus humain et sujet à l'erreur, quelque chose de réel. Et avec un album comme des escaliers étroits, qui respire et soupire et sent (douleur), une telle stratégie de production améliore sa résonance.

5. Dream pour adolescents de Beach House (2010)

(Verset, à partir de 0:40.)

Les membres de Beach House aiment la réverbération. Leur matériau précoce sonne comme du vinyle trop long au soleil. Pendant qu'ils cherchaient à nettoyer leur acte dans leur dernier album Teen Dream, ils n'ont pas laissé tomber leurs affections pour ce son rugueux.

Dans une interview avec Pitchfork, Bandmember (duo-CounterPart) Alex Scally a dit,

"Le sentiment que la réverbération vous donne est partout dans le disque. Qui est l'expansion du son. Vous savez, Reverb fait cette chose où vous faites un son et il atteint 20 fois sa taille d'origine et remplit tout. Alors qu'avec ce disque, je pense que nous essayions d'avoir la même sensation avec l'arrangement et les sons réels."

Victoria Legrand, l'autre moitié du duo, a déclaré: «La réverbération est ce masque. C'est un style. C'est comme un rideau en dentelle ou quelque chose comme ça. Mais ça marche. Cela a fonctionné sur le premier album et cela a fonctionné sur la dévotion, et il est toujours là sur Teen Dream dans une certaine mesure."

LeGrand a également donné l'impression de la façon dont les auditeurs pour la première fois ont réagi à leur son, alors qu'une de leurs chansons était un single iTunes de la semaine:

"Ils étaient comme: 'Je déteste ça! Ma stéréo est cassée!'"

4. La psychocandy de Jésus et Marie (1985)

Les acheteurs involontaires du premier album de la chaîne de Jésus et Marie, la psychocandy de 1985, ont dû revenir directement au magasin pour un remboursement, donnant son son incroyablement choquant. Écoutez simplement la chanson «Neam comprend» (si vous pouvez le supporter) et voyez si vous n'êtes pas absolument certain que soit a) vos haut-parleurs stéréo ont en quelque sorte court-circuité, ou b) l'enregistrement est simplement à 3 minutes de longue durée de clous grattant un tableau.

Jim Reid, membre du groupe, a déclaré dans une interview avec PennyBlackMusic, "Beaucoup de gens ne pouvaient pas croire que nous avions le nerf pour monter sur scène et faire ça parce que nous ne pouvions pas jouer."

Il ajouta, "Ce qui nous a tiré à travers, je pense, c'est que les chansons étaient assez fortes. Peut-être que les gens ne pouvaient pas les entendre parce que nous les jouions si mal, mais nous savions qu'il y avait une chanson de base en dessous."

Être aussi fortement influencé par les Ramones qu'ils l'étaient, qui manquaient également d'une maîtrise appropriée de leurs instruments, il n'est pas difficile de voir où leur penchant pour les mélodies corrompus peut être né. Mais plus que jouer avec négligence, ils semblaient déterminés à donner à l'auditeur les acouphènes.

3. Echo et The Bunnymen (éponyme, 1987)

Echo et les Bunnymen ont un son distinct, un équilibre entre les rainures serrées et les atmosphères de guitare guerre. Mais même avec une «désemparée» infléchie partout dans leur album éponyme révolutionnaire (à l'endroit où l'auditeur en vinyle fait à double tisser à l'état du disque lui-même), le son n'est pas celui que le groupe identifie le mieux avec.

Le front Man Ian McCullough a quitté le groupe après cet album. Dans une interview de 1992, il a déclaré au magazine Q: «Nous venons de nous être aspirés dans une nouvelle mentalité sur ce dernier album, The Sound of Radio America. Ça s'est bien fait ici, mais à ce moment-là, je pensais juste que nous n'étions plus assez bons. Ça se passait, les États se construisaient et se construisaient mais ça ne faisait pas de bien sur scène. Nous ne communiquons pas vraiment comme des amis et des trucs. Je veux dire, j'avais l'habitude de croire que nous étions le meilleur groupe en allant."

Parfois, trop de pureté peut être dévastatrice pour un groupe qui prospère sur l'angularité. Mais même ainsi, on ne peut nier le son écho essentiel qui apparaît partout dans cet album. Peut-être que le problème consiste à devenir trop complaisant, trop familier avec un territoire musical à consonance aussi inconnue.

2. La chaleur blanche / blanc de Velvet Underground (1968)

(Commence à se désintégrer à 2h00.)

Cet album est aussi décisive qu'une boîte de ragoût de boeuf de Campbell. Et ce n'est pas au crédit d'Andy Warhol, producteur de bananier-fanatical de leurs magnifiques débuts.

En fait, après leur manque de succès commercial avec le prédécesseur de promesse de plantain, ils ont licencié Warhol, et avec lui, son idée de l'art.

Une grande partie de l'album est chouchée et dissonant (une droite de 17 minutes dans l'album plus proche «Sister Ray»), mais la chanson-titre (qui est censée imiter l'expérience d'un sommet d'amphétamine) représente le mieux la dévolution du groupe en chaos volontaire. Après deux minutes de ce qui serait les plans essentiels de Punk Rock, la chanson se désintègre comme si Reed, Cale, Morrison et Tucker's Instruments implosé à mi-performance. Si une autre chanson ne s'est pas appuyée immédiatement par la suite comme un défibrillateur en quelque sorte (je.e. "Le cadeau"), vous avez peut-être pensé que votre stéréo vient de mourir.

Rassurez-vous, ce qui est pris sur bande n'est pas complètement sans but, même si la portée reste légèrement hors de propos:

Décrivant les 17 minutes de chaos pur qui comprend «sœur Ray», Lou Reed a déclaré: «Nous essayions juste de nous noyer sur celui-là. Quelqu'un a dit 'qui joue de la basse?'Il n'y a pas de basse. 'Quand est la chanson terminée?'Ce sera fini quand c'est fini."

Blâmez-le sur les médicaments, ou les esprits naturellement humides, WL / WH est un plat mieux servi à aveugle (ou avec un ramekin plein de vitesse).

1. David Bowie's Diamond Dogs (1974)

(À 5h00.)

L'album joue comme un hommage sonore géant à George Orwell 1984 et, en tant que tel, un esprit dystopique est nettement présent. Rapprochez l'album, «Chant de la famille squelettique toujours encerclée."La chanson se transforme en une boucle exaspérante, qui est censée ressembler à un disque cassé, où le son répété est" Br, Br, Br, Br, Br ... "

Le son est le résultat d'une boucle de bande, mais comme l'histoire de l'histoire, Bowie avait l'intention de faire bouger la phrase «Big Brother» (je.e. le titre de la chanson précédente), mais quand il a été accidentellement réduit à un simple «br», il est allé avec ça à la place. Le son, après suffisamment d'écoute, commence finalement à ressembler à «courir», ce qui est aussi vague qu'il est à juste titre inquiétant.

Bowie aurait été influencé, de toute façon lyrique, par William S. L'utilisation par Burroughs de la «technique de coupe» de l'écriture, où vous prenez un morceau d'écriture et coupez littéralement les lignes et réorganisez-les dans une séquence différente, créant ainsi un sens / effet complètement différent.

Dans une interview à Rolling Stone où Bowie et Burroughs discutent des rêves comme source d'influence créative, Bowie a déclaré: «Je trouve plus facile d'écrire dans ces petites vignettes; Si j'essaie de devenir plus lourd, je me retrouve hors de ma ligue. Je ne pouvais pas me contenir dans ce que je dis. De plus, si vous êtes vraiment plus lourd, il n'y a pas beaucoup de temps à lire autant, ou à écouter autant. Il n'y a pas beaucoup de fait pour obtenir un plus lourd… . Il y a trop de choses à lire et à regarder."

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